学习一生国画应该怎么保存
国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。那么国画怎么保存呢？
国画具有怕火、怕光、怕湿、怕霉和怕虫咬的“五怕”特征。要收藏保护好字画必须把握好四个方法：
一、要避光。
因字画一般都以纸、绢等为载体，阳光中的紫外线会使纸、绢的纤维变质或泛黄、褪色、发脆，造成字画的损坏，从而缩短字画的寿命。所以，字画应放置于避光、阴凉、干燥和清洁的地方妥善保管。
二、要去尘。
字画收藏前，最好掸去字画表面的灰尘，防止把灰尘卷进字画，也要防止轴头中引起发霉或污染和虫蛀。对于绢本的字画尤应注意，灰尘落在绢缝里，一定要耐心把它清除，否则一遇潮气，字画的寿命就会缩短。此外，灰尘中潜伏着人眼看不到的虫卵，在温、湿度适宜时就变成成虫，日后便会蛀咬字画。因此，字画不应该一挂数年，因为挂的过程，就是缓慢风化、变质、褪色和损伤的过程。
三、要防潮。
一是要选择不潮湿的墙壁张挂，并要在室内避开有水蒸气的地方，预防平时的湿气附在字画上；二是当雨季到来之前，应暂时将裸露的字画收藏起来，梅雨季过后，及时选晴朗、干燥的天气，将字画逐一展开或张挂，以便在通风中驱散潮气。字画的贮藏空间，温暖应保持在14℃—20℃左右，相对湿度在50—60%。因为室内相对湿度偏高，容易引起纸张受潮而滋长霉菌。而太干燥又容易引起字画的翘曲变脆。
四、要密封。
对存藏环境来说，要求书画柜或书画箱要密封性好。使保存环境相对稳定。民间常用阳江漆皮箱，由杉木制成，内外都蒙上纸，再涂上黑色的木漆，避光防潮。密封性能较好。现在有条件的地方，都用保险柜一类密闭性能较好的器物。但无论用哪种箱柜，都要把字画悬空放置，即用木条一类东西担空，下面留出一定空间放置干燥剂（变色硅胶或二氯化钙）、防虫剂（卫生球、樟脑丸，对二氯化苯）、防霉剂，再把字画放置在木条上。为了安全，这些试剂都应当用布或透气性较好的纸包起来。则可保字画安然无恙，延长字画寿命。
传统国画颜色
目前，在我国市场上出售的中国画颜色从原料上分主要有矿物质、植物质和化学合成等三种类型；从包装上分主要有水剂（锡管装）、粉状（袋装和瓶装）和块状（合装）等三种形式。
（一）·锡管装水剂色
自从大兴水墨写意之风后，中国画的工具材料就逐渐地简洁,特别在颜色和墨上，更是一切为了方便快捷，于是锡管装的水剂颜色和瓶装的墨就大行其道。现市面上的锡管装颜色主要有十二色合装中国画颜色，它使用原料庞杂，包括了传统矿物质、植物质以及现代化学合成色。这种水剂国画色虽然使用方便，但颜色的质量难以保证，特别是一些不合格产品，色胶比例不匀，开封后挤出的全是浑浊的胶水，待挤到颜色时又全是渣滓，很难使用。所以在使用锡管装颜色时，开封之前先用手指来回挤压锡管，让胶水和颜色在里面混合，这样开封后挤出的颜色就没有胶色分离现象了。在使用锡管装颜色时一定要现用现挤，尽快用完，否则容易干后结块，再也无法使用。
（二）·粉状颜色
粉状颜色一般都是由原材料直接加工制作而成，较少使用化学合成物，它选料讲究，制作精细，颜色品质好，色彩饱和度高。粉状颜色主要取材于各种矿石、贝壳、金属等，基本上属于矿物质颜料。另还有用木材炭、丝绸等材料经火烧后，取其灰烬进行研磨，加工制作成不同灰黑度的黑色粉状颜料。这种颜色用到画面上后易产生毛绒绒的感觉，可以用它来画蜂蝶、鸟雀、小鸡、猫狗等小动物，能表现出特殊的质感效果。
（三）·块状颜色
块状颜色实际上是粉状颜色的深加工。粉状颜色是一种无胶的半成品，在使用它时一定要调入胶水，而块状颜色是已经加入了胶水的颜色，使用时只要用清水将其浸泡开就可以蘸色描画了。块状颜色不象粉状颜色那样，主要是矿物质颜料，它既有矿物质颜料，又有植物质颜料，尤以植物质颜色为主。
中国画颜料的调胶颇有讲究，这是因为胶水是直接将颜色和画面粘结的媒介，胶水用少了容易掉色，用多了又会降低色彩的明度和饱和度，只有恰到好处，才能充分发挥中国画颜色特有的魅力。中国画颜料用胶主要有桃胶和骨胶两类。桃胶就是桃树伤口所流液体，这种液体有一定的胶黏度，干后凝聚成半透明状的晶体。桃胶可以春天自己到桃林中摘取，市面上也可以买到；骨胶就是用动物的骨头等胶脂部分熬制而成，呈颗粒或条状的半透明晶体。由于所取原料不同，所以就有牛胶、鹿胶和一般的猪骨胶等不同的品种。桃胶黏性不如骨胶，因此它不太适合粘合矿物质颜料，骨胶黏性强，无论是矿物质还是植物质颜料都可以使用。但是，骨胶易变质，特别是炎热的夏天要现用现做，如果时间长了就会腐 败变臭。在中国画颜料中，需要加胶的主要以粉状颜料为主。粉状颜料加胶主要有两种方法：一种是直接兑胶调和法，另一种是干粉黏附法。
（A）·直接兑胶法
将粉状颜色倒进调色碟，将胶水直接兑进色粉中，用手指加力揉按成有一定韧性的色团备用（如果少量使用，只需要用笔蘸胶揉合色粉即可），使用时加入少许温水将颜色调和成需要的浓稠度即可。如果调制好的颜色一次不能用完，一定要进行退胶处理，否则的话就会影响到色彩的明度和饱和度。所谓退胶就是用清水将兑过胶的颜料稀释，待其沉淀后倒去颜色上面的清水，这样胶水就会随之被倒去。
（B）·干粉黏附法
这是一种在画面上直接上胶的方法。上色时，在所需填彩的地方用胶水均匀地刷在画面上，然后用小色筛（颇似中药房中过虑渣滓的药筛）将色粉均匀地洒到画面上，然后用干净的底文笔轻轻地来回扫几下，这样色粉就会牢固地黏附在画面上了。这种黏附法颜色和胶水无需直接调合，因此能最大限度地保持颜色原有的色泽和光彩，充分发挥色彩的表现力。
矿物质颜色即使加了胶，其和画面的附着力还是不够，在反复覆盖晕染时还常常会将底色带起。要使颜色牢固地附着在画面上，可以用胶矾罩盖法加以解决。
矿物质颜色覆盖力强，在使用时一般采用轻色多层，反复罩染的方法，这样染出的颜色厚重沉着，饱和度大，不易出现水迹斑痕等现象。胶矾罩盖法就是在矿物质颜色的上面用胶矾水轻刷，待胶矾水干后就形成了一层保护膜，将颜色牢牢地固定在画面上，这样无论在颜色上进行多少次罩染也不会将底色带起。要注意：覆盖颜色的胶矾液宜淡忌浓，如果浓度过高，干后就会在颜色上形成一层白霜，不仅破坏了画面，降低了色彩的明度，而且还无法补救。用胶矾液在颜色上罩盖的方法古已有之，称为“三矾九染”法。
虽然在水墨写意大行其道的今天，色彩在画面中越用越少，但在工笔花鸟画和民间绘画中，色彩一直处于不可替代的地位。特别是近二十多年来，工笔重彩和现代花鸟画的兴起，使人们越来越认识到色彩的重要作用，大家都在尽力寻找和探索。正当我们苦于色彩品种稀少，颜色形式单一时，我们的邻国日本，其绘画色彩却越来越丰富，人们不约而同地把目光转到了日本画的颜料上。
中国画的基本知识介绍
中国传统绘画的主要种类。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画(又称西洋画)等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷(又称手卷)、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
历史发展
中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到***的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向;人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿 ，距离时代和生活愈去愈远。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。
19世纪以后，在政治、经济(特别是商业、文化发达的上海、北京(含天津)、广州等中心城市，汇聚了一大批画家，即以上海为中心的江浙画家群，如任颐、虚谷、吴昌硕、黄宾虹、刘海粟、潘天寿、朱瞻、张大千、傅抱石、钱松喦、陆俨少等人;以北京为中心的北方画家群，如齐白石、陈师曾、金城、陈半丁、王雪涛、李苦禅、蒋兆和、李可染等;以广州为中心的岭南画家群，如高剑父、高奇峰、陈树人、何香凝、赵少昂、关山月、黄君璧等人。随着形势的变化和时代的更迭，上述地区的画家亦有流动，如抗日战争时许多画家来到西南地区，1949年后又有许多画家如张大千、黄君璧、赵少昂等人移居国外和港台地区。今全国大多数省市成立了画院，在3个中心之外，又出现了许多新的中心 ，画家队伍空前扩大。
在现代中国画家中，许多画家继承并坚持传统绘画的基本模式，他们或以模仿、传承前代画家技巧、风范为原则，或在继承传统的同时，力图变革，在保存、发展传统的同时，形成自己的风格。前者有金城、顾麟士等人，后者以齐白石、黄宾虹、潘天寿等人为代表。
自五四新文化运动以后，随着西方美术的大量引入和反封建斗争的深入，改革中国画成为新的时代潮流。以留学日本、欧美的高剑父、高奇峰、刘海粟、徐悲鸿、林风眠等人为代表，倡导将西方美术的写实及近代西方美术的创作观念与传统的中国画相融合，走出了一条改革、创新中国画的新路子，使传统的中国画焕发了新的生机。其中高剑父、高奇峰等岭南画派画家，提倡折衷中外，融合古今，将日本画法与传统的撞水、撞粉法和没骨法相糅合，创造出了一种雄劲奔放、具有时代感的新风格。徐悲鸿将西方绘画的写实手法融入传统的笔墨之中，丰富了中国画的表现性。林风眠则调和中西，并汲取民间美术的质朴与刚健，形成了自己意境深邃，形式新颖的独特风格。另外，陈之佛将中外装饰艺术中的色彩融入工笔花鸟画的创作，张大千借鉴西方抽象表现主义的某些手法，创出泼彩画法;李可染受西方画写生的启发，直接对景写生对景创作;吴冠中用中国画的工具材料和西方现代艺术的形式、观念等表现中国画传统的诗情与境界等等，均取得了重要成就。
随着时代的变迁，中国画由过去士大夫和贵族娱乐自赏的贵族艺术转向为“民众的艺术”，由过去的象牙之塔，走向十字街头。使中国画在题材内容上产生了深刻的变化。画家们将视角投向社会现实，创作了一大批具有时代特征的优秀作品。
20世纪20～30年代，画家们对中国 画的革新与发展，展开了论争。如康有为提出“以复古为革新”、“合中西而为画学新纪元”的`主张;徐悲鸿主张“古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方画之可采入者融之”;刘海粟提出要“发展东方固有的美术，研究西方艺术的精英”;林风眠主张“调和中西艺术，创造时代艺术”;陈师曾对文人画的特质和意义作了肯定分析和回答;林纾则反对革新，号召人们鄙弃“外洋新学”，唯以“古意为宗”;金城则极力主张：“宣圣明训，不率不忘，衍由旧章。”40年代末和50年代，人们围绕着素描是否可作为中国画造型的基础，以及如何看待笔墨技巧、看待各种新国画等问题展开了一场讨论。80年代中期，又围绕着在改革、开放和现代急剧变化的社会环境中，如何革新中国画以适应时代的审美需要的问题，在理论和实践上展开了深入的探讨。
造型特征和表现方法
中国画在观察认识、形象塑造和表现手法上，体现了中华民族传统的哲学观念和审美观，在对客观事物的观察认识中，采取以大观小、小中见大的方法，并在活动中去观察和认识客观事物，甚至可以直接参与到事物中去，而不是做局外观，或局限在某个固定点上。它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然的客观物象，在观察、认识和表现中，也自觉地与人的社会意识和审美情趣相联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。中国画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求“妙在似与不似之间”和“不似之似”。其形象的塑造以能传达出物象的神态情韵和画家的主观情感为要旨。因而可以舍弃非本质的、或与物象特征关联不大的部分，而对那些能体现出神情特征的部分，则可以采取夸张甚至变形的手法加以刻画。在构图上，中国画讲求经营，它不是立足于某个固定的空间或时间，而是以灵活的方式，打破时空的限制，把处于不同时空中的物象，依照画家的主观感受和艺术创作的法则，重新布置，构造出一种画家心目中的时空境界。于是，风晴雨雪、四时朝暮、古今人物可以出现在同一幅画中。因此，在透视上它也不拘于焦点透视，而是采用多点或散点透视法，以上下或左右、前后移动的方式，观物取景，经营构图，具有极大的自由度和灵活性。同时在一幅画的构图中注重虚实对比，讲求“疏可走马”、“密不透风”，要虚中有实，实中有虚。中国画以其特有的笔墨技巧作为状物及传情达意的表现手段，以点、线、面的形式描绘对象的形貌、骨法、质地、光暗及情态神韵。这里的笔墨既是状物、传情的技巧，又是对象的载体，同时本身又是有意味的形式，其痕迹体现了中国书法的意趣，具有***的审美价值。由于并不十分追求物象表面的肖似，因此中国画既可用全黑的水墨，也可用色彩或墨色结合来描绘对象，而越到后来，水墨所占比重愈大，现在有人甚至称中国画为水墨画。其所用墨讲求墨分五色，以调入水分的多寡和运笔疾缓及笔触的长短大小的不同，造成了笔墨技巧的千变万化和明暗调子的丰富多变。同时墨还可以与色相互结合，而又墨不碍色，色不碍墨，形成墨色互补的多样性。而在以色彩为主的中国画中，讲求“随类赋彩”，注重的是对象的固有色，光源和环境色并不重要，一般不予考虑。但为了某种特殊需要，有时可大胆采用某种夸张或假定的色彩。中国画，特别是其中的文人画，在创作中强调书画同源，注重画家本人的人品及素养。在具体作品中讲求诗 、书、画、印的有机结合，并且通过在画面上题写诗文跋语 ，表达画家对社会、人生及艺术的认识，既起到了深化主题的作用，又是画面的有机组成部分。
国画在世界美术领域中自成体系。大致可分为;人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科;有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置;取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始***形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意;明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。
水墨画
中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。
院体画
简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”(《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》)
文人画
亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖(参见“南北宗”)。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞(维)援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。
画分十门
中国画名词。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释门、人物门、宫室门、番族门、龙鱼门、山水门、畜兽门、花鸟门、墨竹门、蔬菜门等。南宋邓椿《画继》分八类(门)，即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画等。参见“十三科”。
十三科
中国画术语。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分为六门;北宋《宣和画谱》分为十门;南宋邓椿《画继》分为八类。元代汤垕《画鉴》说：“世俗立画家十三科，山水打头，界画打底。”明代陶宗仪《辍耕录》所载“画家十三科”是：“佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉圣僧、风云龙虎、宿世人物、全境山林、花竹翎毛、野骡走兽、人间动用、界画楼台、一切傍生、耕种机织、雕青嵌绿。”
人物画
绘画的一种。以人物形象为主体的绘画之通称。中国的人物画，简称“人物”，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早;大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。
山水画
简称“山水”。中国画的一种。描写山川自然景色为主体的绘画。在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多;隋唐始***，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等;五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，达到高峰。从此成为中国画中的一大画科;元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风;明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。
青绿山水
山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强;后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵(伯驹、伯骕)，以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。
浅绛山水
山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。
金碧
中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也!”
青绿
中国画颜料中的石青和石绿。也指以这两种颜料为主色的着色方法。清代王翚说：“凡设青绿，体要严重，气要轻清，得力全在渲晕，余于青绿法静悟三十年，始尽其妙。”(《清晖画跋》)恽寿平也说：“青绿重色，为厚易，为浅淡难，为浅澹矣，而愈见秾厚为尤难。……运以虚和，出之妍雅，秾纤得中，灵气惝恍，愈浅淡愈见秾厚，所谓绚烂之极，仍归自然，画法之一变也。”(《瓯香馆画跋》)阐述了青绿设色的要旨。参见“青绿山水”。
花鸟画
中国画的一种。北宋《宣和画谱.花鸟叙论》云：“诗人六义，多识于鸟兽草本之名，而律历四时，亦记其荣枯语默之候，所以绘事之妙，多寓兴于此，与诗人相表里焉。”历代花鸟画家辈出，如唐代薛稷的鹤、边鸾的孔雀、刁光胤的花竹;五代郭乾晖的鹰，黄筌、徐熙的花鸟;北宋赵昌的花、崔白的雀、吴元瑜的花鸟;南宋吴炳的折枝、林椿的花果、李迪的禽;元代李衎的竹、张守中的鸳鸯、王冕的梅;明代林良的禽，陈淳、徐渭的墨花;清代朱耷的鱼、恽寿平的荷、华喦的鸟;近代吴昌硕的花卉等，皆一代名手，绵延不绝。参见“四君子”。
传统的中国画绘画必备的基础笔墨知识
传统的中国画绘画学习，笔与墨的应用是最为基础的，也是最为关键的要了解的知识。以笔作形，用墨作意，笔墨相互配合，相得益彰。本文与大家分享一些国画创作里对于笔和墨的运用方法，对于国画初学者而言，应当仔细了解。国画在用笔方面讲究很多，古人有言“夫物象必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归乎用笔”。对于一幅画作而言，用笔是造型的基础，而造型为立意的先行，用不好笔，作不好画，即是如此。而创作中国画，用笔又不单纯的画型为基准，其讲求笔与线、笔与意、笔与力的娴熟运用与融合，的总结如下：
1、笔与线。线是我们中国画的最基本的造型手段，要创作出物体的质感、量感与动感，线是必不可少的。而具体到线的运用上，画师们必须对具体形象有着较高超的理解、提炼与表达能力，这是画师驾驭物象的基础。
2、笔与意。这也是上文的那种话“骨气形似皆本于立意而归乎用笔”的具体要求，意境这种无形无状的东西，怎样通过你手中的三寸画笔就表现给观者呢?这就得看画师们自己修养与功力了。
3、笔与力。画家们作画时，你可以看到，那真的是全神贯注，集毕身精力于一的创作过程，下笔有力，方有气势，下笔无力，则画作绵软，败笔已成也。
用墨也是我们中国画的基本技法，图画有了墨气，即有了生气，画作的意境方可尽显。用好墨，不在乎盘中之墨的多少，而在于画面之墨的浓淡，如何让墨韵尽显，就看画师的功力了。中国画通过数千年的发展，在墨的运用上有了诸多的变种，如“泼墨法”、“积墨法”、“破墨法”等等。